Magic Castles - The lore of Mysticore

The Lore of Mysticore (Dust and Memory, 2025) no parece un disco recién reeditado. Más bien uno que llevaba años esperándote en algún rincón, cogiendo polvo con dignidad.

Lo de Dust and Memory tiene sentido. Este tipo de música necesita justo eso: alguien que la rescate sin tocar demasiado. Porque aquí no hay prisa. Nunca la hubo. De hecho, el disco nació casi en plan fantasma —CD-R, tiradas pequeñas, cero ruido— y así se quedó, flotando entre cuatro o cinco que sabían de qué iba la cosa.

Magic Castles juegan a desaparecer. Guitarras que se disuelven, voces que no terminas de ubicar, melodías que parecen claras… hasta que dejan de serlo. No es psicodelia de colores chillones. Es más bien mirar al techo y perder el hilo.

Y luego, de repente, pasa algo. Un tema se engancha un poco más de la cuenta, una melodía se queda dando vueltas. “¿Esto estaba antes?” Pues sí. Pero no lo habías cazado.

La banda viene de Minneapolis, orbitando desde principios de los 2000 alrededor de Jason Edmonds. Siempre en ese margen cómodo donde no hace falta gustar a todo el mundo. En su día, Anton Newcombe les echó el ojo y les dio algo de visibilidad. Tampoco cambió demasiado la película. Siguen a lo suyo.

Esta reedición no suena a revival ni a operación nostalgia. Suena más bien a ajuste de cuentas tranquilo. Como si alguien hubiera dicho: “oye, esto se nos pasó… vamos a escucharlo bien ahora”.

Y sí, mejor en vinilo. Este disco no quiere que le des a “siguiente”.

James Yorkston and Friends - Songs for Nina and Johanna

Songs for Nina and Johanna (Domino Records, 2025) no entra dando portazos. Más bien se cuela. Lo dejas sonar de fondo y, sin saber muy bien cuándo, ya te ha ganado. Todo bastante sencillo en apariencia: canciones pequeñas, temas de casa, de gente, de lo que pasa cuando no pasa nada… o eso parece.

El escocés James Yorkston aquí no va de estrella. Va de juntar voces y ver qué ocurre. Y lo que ocurre es que Nina Persson y Johanna Söderberg se adueñan de muchas canciones sin pedir permiso. Mejor así. Hay momentos que suenan a conversación real, de esas que no están pensadas para ser bonitas, pero lo son.

La música… folk, sí, pero sin la etiqueta rígida. Cuerdas suaves, piano que aparece cuando le da la gana, algún detalle que ni detectas a la primera. Todo muy natural, casi descuidado (en el buen sentido). Nada de grandes gestos. Más bien miradas de reojo.

Yorkston lleva años en esto, siempre un poco al margen, sin hacer ruido. Disco a disco. Sin prisa. Aquí se nota que ya no necesita demostrar nada. Ni siquiera necesita estar en el centro. Y eso le sienta bien.

No es un álbum de los que te vuelan la cabeza. Es de los que te acompañan mientras haces otra cosa… y de repente paras. Porque algo ha cambiado.

Polar, canciones que se quedaron

Polar es una de esas bandas valencianas que no hicieron mucho ruido… y precisamente por eso hoy suenan interesantes. Aparecen a finales de los 90 / primeros 2000, cuando València tenía una escena indie subterránea muy viva, con locales pequeños, maquetas que pasaban de mano en mano y más ilusión que presupuesto. Polar encajaban ahí como un guante.

Su sonido miraba claramente hacia fuera: guitarras limpias pero melancólicas, ecos de indie británico, algo de shoegaze suave y canciones cantadas en inglés cuando eso todavía no era postureo sino una forma de buscar refugio estético. Nada de estribillos de estadio: lo suyo era más bien la épica doméstica, auriculares puestos y mirar por la ventana del bus como si estuvieras en un videoclip de bajo coste.

Nunca fueron una banda masiva ni lo pretendieron. Polar funcionaron como funcionan muchas bandas importantes de verdad: conciertos esporádicos, público fiel, discos (o maquetas) que envejecen mejor que muchas carreras largas. Su legado es más emocional que numérico. No cambiaron la historia del pop, pero sí el recuerdo de quienes los vimos en directo o los descubrimos en el momento justo de nuestra vida. Eso también cuenta, aunque no salga en Wikipedia.

Es bonito pensar que algunas bandas no desaparecen: simplemente se quedan sonando bajito, esperando a que alguien vuelva a darle al play.

🎸 La historia de Polar 

Polar fue un grupo formado en Valencia en el verano de 1994, compuesto por Jesús de Santos (guitarra y voz), Miguel M. Matallín (guitarra y voz), Paco Grande (bajo) y Jesús Sáez (batería). Desde el principio apostaron por un estilo propio de rock íntimo, atmosférico y lleno de matices que, con paciencia, acabó forjándoles un lugar respetado en la escena independiente española.

🎶 Los primeros pasos y reconocimiento temprano

En sus primeros años, Polar crecieron dentro del sello Tranquilo Niebla, donde se dieron a conocer como una de las propuestas más prometedoras. Ganaron concursos de maquetas —como el Circuït Rock de la Comunidad Valenciana— y consiguieron reconocimientos de crítica: su directo fue considerado uno de los mejores de 1997 por Mondo Sonoro, y su primer álbum, Sixteen Second Communication (1998), fue elegido por Rock de Lux como uno de los mejores discos del año.

En esa etapa ya se vislumbraba su sello distintivo: canciones que parecían pausadas pero siempre envolventes, guitarras que respiraban y una belleza melancólica que no buscaba grandes estridencias. Compartieron escenario con bandas como Damon & Naomi y estuvieron en festivales como el FIB o el BAM Barcelona, lo cual les valió reconocimiento más allá de Valencia.

📀 La etapa Jabalina: madurez y expansión

En 2001, Polar firmó con el sello Jabalina Música, que sería clave para su desarrollo. Con Jabalina publicaron algunos de sus discos más memorables y enriquecieron su sonido con arreglos más complejos e instrumentación más diversa:

• New Day — CD‑EP (2001), que les devolvió al primer plano con temas cuidados y melancólicos.

• A Letter for the Stars — LP (2002), considerado un punto álgido en su carrera, con un sonido maduro y emocional.

• Snow Song — EP (2002), que completó sensaciones de ese gran año e incluyó temas que condensaban su poder evocador.

• Comes with a Smile — LP (2004), con un enfoque más luminoso y variado.

• Surrounded by Happiness — LP (2006), un regreso a una textura más cruda y directa.

• Feedback — CD+DVD (2008), un repaso de versiones e historia de la banda con un documental incluido, editado con motivo de su décimo aniversario.

Esta etapa refleja su evolución: de un rock introspectivo a paisajes sonoros más complejos con piano, cuerdas y capas instrumentales que reforzaban su atmósfera.

🔚 Último álbum y despedida

Su último álbum fue Fireflies in the Alley (2010), editado por la discográfica valenciana Absolute Beginners. Tras este lanzamiento y 17 años de trayectoria, en 2011 la banda anunció su separación definitiva, agradeciendo a críticos, promotores y público por todo ese tiempo acompañado de su música.

En palabras de su comunicado de despedida, Polar dejaban claro que “lo que permanece son las canciones, en la medida en que la gente las quiera hacer revivir” — y esa frase captura muy bien su filosofía: una música que nunca hizo ruido estruendoso, pero que sigue viva en la memoria de quien la escucha.

Sam Blasucci - Off my Stars

Off My Stars (Innovative Leisure/Calico Records, 2023) no llega pegando golpes en la mesa. Más bien abre la puerta, entra, se sienta al piano… y tú ya te quedas.

El disco de Sam Blasucci va sin prisa. Piano muy presente, voz cercana, canciones que parecen pequeñas pero tienen algo dentro que engancha. Si lo tenías fichado por Mapache, aquí hay giro: menos desierto, más salón. Más tú a tú.

Suena clásico, pero no viejo. Folk, pop, algo de soul que aparece sin avisar. Y detalles que molan: un saxo que entra como si pasara por ahí, versiones de “Linger” o “Thank You” hechas sin postureo —y funcionan—. También se cuela “Il Mondo”, porque sí, porque le apetecía, y encaja.

Las letras… cercanas. Familia, dudas, crecer, ese tipo de cosas que no necesitan disfraz. Hay un tema dedicado a su padre que mejor no ponerlo en según qué momento, aviso.

Y él, Blasucci, va un poco en esa línea: multiinstrumentista, de los que parecen más cómodos tocando que explicándose. Este disco suena a eso. A alguien que no está intentando gustar. Está haciendo canciones y ya.

No es un disco de “madre mía”. Es más de dejarlo sonar… y cuando termina, volver al principio sin pensar mucho por qué.

Esta noche para cerrar el fin de semana, Sam Blasucci tomará el escenario en Loco Club: el momento perfecto para dejarse envolver por su directo.

From Twee to True, The Amelia Fletcher Story (1986-2025)

Amelia Fletcher es la figura central de Heavenly pero no solo eso, ha estado involucrada en muchos grupos a lo largo de los años, cada uno con matices distintos. Además, Amelia ha hecho colaboraciones puntuales como vocalista invitada en canciones de otras bandas, apoyo en coros, etc. 

Del ruido dulce de los 80 a la calma de hoy. Amelia Fletcher, una vida entre guitarras y ternura.

🌱 Talulah Gosh (1986–1989)

Canción clave: Bringing Up Baby

Es puro anorak pop: juvenil, urgente, casi torpe a propósito. Cantar sobre enamorarse como si fuera el fin del mundo, con panderetas que suenan como truenos de confeti. También escucha Beatnik Boy, himno inocente y desafiante a la vez.

Escucha si te gusta: The Pastels, Shop Assistants, The Vaselines.

🌸 Heavenly (1989–1996 / regreso reciente)

Canción clave: P.U.N.K. Girl

El título ya avisa: melodías dulces con letras que muerden. Amelia afila su estilo: ironía, feminismo pop y una precisión melódica casi McCartneyana. C is the Heavenly Option (con Calvin Johnson de Beat Happening) es un diálogo delicioso entre Oxford y Olympia.

Recomendado: Heavenly vs. Satan (1991) y The Decline and Fall of Heavenly (1994).

🌊 Marine Research (1997–2000)

Canción clave: Queen B
Después de la muerte de su hermano Mathew, el grupo cambia de nombre pero mantiene el pulso. Las canciones se vuelven más maduras, con un tono melancólico y elegante. Su único disco, Sounds from the Gulf Stream, es una joya perdida del indie británico.

💫 Tender Trap (2001–2014)

Canción clave: Do You Want a Boyfriend?

Pop más pulido, con guiños electrónicos y letras que desmontan clichés románticos con una sonrisa irónica. Aquí Amelia suena más segura, menos naïf, pero igual de encantadora.

Escucha también: Talking Backwards —un retrato perfecto de su estilo: ligero en la forma, agudo en el fondo.

🪶 The Catenary Wires (2014–presente)

Canción clave: Til the Morning

Ella y Rob Pursey bajan el volumen. Canciones de pareja, madurez, y la belleza que tiene asumir el paso del tiempo. Armonías casi de Simon & Garfunkel si hubieran sido twee.

Álbum recomendado: Birling Gap (2021), publicado por Tapete Records.

📻 Swansea Sound (2020–presente)

Canción clave: Corporate Indie Band
Aquí vuelve la rabia de juventud, pero con el humor ácido de quien ya conoce la industria. Punk-pop con mensaje: un manifiesto contra el capitalismo cultural disfrazado de hit.
Escucha también: Indiepop Ain’t Dead —porque Amelia demuestra que no solo sigue viva, sino que suena más lúcida que nunca.

🎧 Bonus Tracks: Heavenly hoy

El regreso de Heavenly en 2025 con Portland Town suena a reencuentro sin nostalgia: las mismas armonías angelicales con un barniz de experiencia. Y con Excuse me nos adelantaron su álbum Highway to Heavenly que publicaron en febrero de este 2026, y que presentarán en Valencia el próximo 7 de mayo.

No es revival, es evolución emocional.

Sweet Nobody - Driving off to nowhere

Desde Long Beach nos llega la entrega del mes diciembre de One Record Club "Driving  off to Nowhere" (Repeating Cloud, 2025), el tercer disco de Sweet Nobody.

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 One Record Club

Driving off to Nowhere es uno de esos discos que parecen hechos para sonar mientras conduces sin rumbo claro. No en plan épico, sino más bien con esa sensación tranquila de dejar que la carretera decida por ti. El grupo californiano Sweet Nobody vuelve aquí a su territorio natural: guitarras limpias, melodías que se te quedan pegadas y un punto de nostalgia que aparece cuando menos te lo esperas.

Las canciones son breves, directas. Pop indie con brillo, pero sin ponerse demasiado solemnes. La voz de Joy Deyo tiene ese tono dulce que parece decirte que todo está más o menos bien… aunque las letras a veces hablen de recuerdos incómodos o relaciones que no acabaron precisamente con fuegos artificiales.

El disco dura poco más de media hora y casi se pasa sin darte cuenta. Temas como “Revenge”, “Making It Right” o “Forget Me” van dejando pequeñas escenas: un recuerdo que vuelve, una conversación que se quedó a medias, esa sensación rara de seguir adelante aunque no tengas muy claro hacia dónde.

Y el título lo resume bastante bien. Conducir hacia ninguna parte no siempre es huir. A veces es simplemente moverse. Poner música, mirar por la ventanilla y pensar: bueno… ya veremos qué pasa después.

Plastic Light That Never Goes Out - The Smiths

The Smiths son una especie de meteorito cultural: cayeron rápido, brillaron muchísimo y dejaron un pequeño cráter emocional en cada adolescente que los escuchó a la hora equivocada… o, mejor dicho, a la hora perfecta. Si fueron tu primer grupo favorito, como es mi caso, seguro que lo llevas tatuado en el cableado neuronal para siempre...

Hablemos de ellos con calma, como quien abre un viejo vinilo que cruje un poco.

The Smiths eran la suma improbable de dos energías que parecían incompatibles: la guitarra luminosa y cristalina de Johnny Marr —que podría haber curado resacas con sus arpegios— y la voz de Morrissey, mitad susurro existencial, mitad ironía afilada. El resultado fue un pop de Manchester que sonaba dulce y deprimido al mismo tiempo, como un día nublado que te cae bien.

Entre 1984 y 1987 sacaron discos que hoy siguen sonando como si acabaran de inventar el indie hace diez minutos. Canciones que hacen que uno se ponga a mirar por la ventana buscando un drama suave que acompañe. Desde “This Charming Man”, que es pura energía adolescente con zapatos de charol, hasta “There Is a Light That Never Goes Out”, que podría estar en el currículum oficial de Educación Emocional de media Europa.

Morrissey, ya en solitario, es otro capítulo fascinante. Un personaje siempre dramático, siempre literario, siempre algo provocador… como si su micrófono hubiera venido de fábrica con una ceja levantada. Su carrera post-Smiths tuvo momentos de auténtica brillantez: “Everyday Is Like Sunday”, “Suedehead”, “The More You Ignore Me…”, y varias joyas escondidas que los fans guardan con cariño, casi como reliquias.

"Plastic light that never goes out" es una playlist que he preparado para que haga justicia tanto a la melancolía como al movimiento de cadera discreto que Marr provocaba sin querer. Algo equilibrado: himnos, lados B sutiles y una buena selección de Morrissey en solitario que no envejece. Ahí van las canciones:

1. This Charming Man
El flechazo inicial: Marr corriendo delante y Morrissey ya avisando de que esto va a doler un poco.

2. Hand in Glove
Declaración de principios: amistad, deseo y una guitarra que suena a conspiración íntima.

3. Still Ill
La adolescencia hecha canción: confusión, hastío y lucidez prematura.

4. Reel Around the Fountain
Belleza inquietante, como un poema precioso que no sabes si deberías leer en voz alta.

5. Heaven Knows I’m Miserable Now
El himno definitivo del “todo mal, pero con estilo”.

6. William, It Was Really Nothing
Celos, orgullo y frases que cortan como papel fino.

7. Please, Please, Please Let Me Get What I Want
Una súplica tan honesta que da un poco de vergüenza escucharla solo.

8. How Soon Is Now?
Oscuridad bailable: temazo para sentirse raro incluso en la pista.

9. The Headmaster Ritual
Crítica social con riffs afilados y recuerdos escolares nada entrañables.

10. I Know It’s Over
Devastación emocional servida despacio, para que duela mejor.

11. Bigmouth Strikes Again
Autoparodia brillante: cuando decir lo que piensas te mete en problemas… otra vez.

12. There Is a Light That Never Goes Out
Romanticismo trágico de manual, con autobuses y corazones en llamas.

13. Ask
Optimismo raro en los Smiths, casi sospechoso… pero funciona.

14. Panic
Bailar enfadado: crítica cultural con palmas y mala leche.

15. Girlfriend in a Coma
Humor negrísimo envuelto en melodía amable. Morrissey siendo Morrissey.

16. Last Night I Dreamt That Somebody Loved Me
El final perfecto: sintetizadores, soledad y un silencio que pesa.

—

17. Suedehead
Morrissey arranca en solitario mirando atrás, pero con paso firme.

18. Everyday Is Like Sunday
Paisaje costero y existencialismo de resaca eterna.

19. The Last of the Famous International Playboys
Elegancia torcida y fascinación por los márgenes.

20. Hairdresser on Fire
Pop incendiario: chulería, drama y estribillo imparable.

21. November Spawned a Monster
Morrissey serio, compasivo y sin ironía: una rareza necesaria.

22. We Hate It When Our Friends Become Successful
Envidia confesable con sonrisa torcida.

23. Sing Your Life
Un consejo vital disfrazado de hit luminoso.

24. The More You Ignore Me, the Closer I Get
Obsesión convertida en arte pop. Incómodo y adictivo.

25. Speedway
Ajuste de cuentas con guitarras afiladas y orgullo herido.

26. First of the Gang to Die
Historia de barrio, tragedia social y uno de sus grandes estribillos.

27. Irish Blood, English Heart
Identidad, política y épica personal sin pedir permiso.

28. Let Me Kiss You
Cierre perfecto: romanticismo directo, sin ironía… casi.

Esta playlist es como crecer acompañado por alguien que siempre fue un poco más listo, más triste y más gracioso que tú. Ideal para escuchar entera, del tirón, mirando por la ventana aunque no esté lloviendo.

The Smiths - There is a light that never goes out

El álbum The Queen Is Dead, publicado en 1986 por la banda británica The Smiths, es considerado uno de los discos más influyentes del rock alternativo de los años 80. Con letras irónicas y melancólicas escritas por Morrissey y la característica guitarra de Johnny Marr, el álbum combina crítica social, humor oscuro y una sensibilidad profundamente romántica.

 

Aunque ya había hablado en el blog de este álbum, he querido volver a traerlo porque Morrissey viene esta semana a Valencia a tocar. Es una buena excusa para rescatar una de las canciones más especiales del disco, There Is a Light That Never Goes Out, que con el paso de los años se ha convertido en un auténtico himno. En sus conciertos nunca suele faltar y siempre provoca uno de esos momentos mágicos en los que todo el público la canta de principio a fin.  

La letra describe el deseo de escapar de la soledad y encontrar un momento de conexión, incluso si ese instante pudiera terminar trágicamente. La famosa línea sobre morir en un accidente “a tu lado” expresa una mezcla de romanticismo, desesperación y belleza que se ha convertido en una de las imágenes más recordadas de la música indie.

 

 

Gracias a su atmósfera emocional y a su poderosa melodía, There Is a Light That Never Goes Out se ha convertido en un himno generacional sobre el anhelo de pertenecer y de sentirse vivo, consolidando a The Queen Is Dead como una obra clave en la historia del rock alternativo.

Fortunato Durutti Marinetti - Bitter sweet, sweet bitter

Fortunato Durutti Marinetti es el seudónimo de Daniel Colussi, un cantautor y músico nacido en Turín (Italia) y radicado en Toronto (Canadá). Con más de dos décadas de trayectoria en la escena musical underground, su propuesta actual se aleja del indie rock convencional para abrazar un estilo que él mismo denomina "poetic jazz rock".

"Bitter Seet, Sweet Bitter" (Quindi Records, 2025) es su último álbum, que parece debatirse entre la luz y la sombra sin decidirse del todo, y ahí está su encanto. Hay una dualidad constante: melodías que suenan dulces en la superficie, pero con una corriente subterránea de inquietud que las vuelve más interesantes.

El álbum respira un pop elegante y algo excéntrico, con guitarras que no buscan protagonismo sino atmósfera, y canciones que avanzan con esa mezcla tan atractiva de ingenuidad y sofisticación. Nada suena exagerado; todo parece medido con una sensibilidad casi artesanal.

Bitter Sweet, Sweet Bitter funciona como un pequeño juego de espejos: lo que empieza siendo luminoso puede tornarse introspectivo en cuestión de segundos. Es un disco para escuchar con atención, dejando que sus contrastes hagan el trabajo. Dulce y amargo, sí, pero siempre con intención.

Egon Soda - Egon Soda

Egon Soda (Cielos Estrellados, 2025) es la reedición, por primera vez en vinilo, del primer disco de la banda Egon Soda, publicado en 2008 por Cydonia.

El primer disco de Egon Soda fue una carta de presentación con carácter propio. Desde el inicio dejaron claro que no venían a hacer pop complaciente, sino canciones con tensión, letras afiladas y una producción que apuesta por la intensidad emocional. Hay guitarras que empujan, ritmos que respiran con nervio y una sensación constante de estar caminando al borde de algo.

Como banda, Egon Soda siempre ha jugado en ese territorio donde la melodía y la incomodidad se dan la mano. Sus letras son introspectivas, a veces crudas, pero nunca gratuitas; hablan de fracturas personales y de esa extraña épica cotidiana que todos reconocemos. No buscan el estribillo fácil, buscan verdad.

Aquel primer disco ya contenía su ADN: energía contenida, honestidad sin maquillaje y una forma de entender el rock alternativo como espacio de conflicto y belleza al mismo tiempo. Música que no pretende gustar a todo el mundo, pero que cuando conecta, lo hace de verdad.

Joel Cusumano - Waxworld

 Desde Oakland nos llega la entrega del mes de noviembre de One Record Club Waxworld (Dandy Boy Records, 2025), el primer álbum en solitario de Joel Cusumano.

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Waxworld de Joel Cusumano suena como si alguien hubiera decidido construir un pequeño universo paralelo dentro de un estudio casero, lleno de ecos suaves y melodías que parecen surgir sin hacer ruido. Es un disco que no busca el impacto frontal; prefiere envolver, insinuar y quedarse flotando.

Hay algo íntimo en su manera de avanzar, casi como si las canciones se grabaran en una habitación con la puerta entreabierta. Las guitarras y los arreglos se mueven con delicadeza, dejando espacio para que la voz respire y las emociones aparezcan sin subrayados. No hay grandilocuencia, hay atmósfera.

Waxworld funciona mejor cuando se escucha sin prisa, dejando que cada tema encuentre su lugar. Es uno de esos discos que parecen discretos al principio, pero que acaban creando un clima propio, como una película pequeña que no necesita efectos especiales para quedarse contigo un buen rato.

Tony Molina - On this day

"On this day" (Slumberland Records, 2025) es el último disco del músico de San Francisco, Tony Molina.

On This Day suena como un fogonazo breve pero intenso: canciones cortas, directas, que entran sin pedir permiso y se van antes de que puedas agarrarlas del todo. Power pop comprimido al máximo, melodías afiladas y esa sensación de urgencia que hace que quieras darle al play otra vez nada más terminar.

Todo en el disco parece pensado para ir al grano. Guitarras brillantes, estribillos inmediatos y una energía casi adolescente, pero con el oficio de alguien que sabe exactamente lo que está haciendo. No hay relleno ni distracciones: cada tema es una pequeña cápsula de pop que deja huella en menos de dos minutos.

On This Day es ideal para escuchas repetidas, para días rápidos o momentos en los que la música tiene que acompañar el ritmo sin estorbar. Tony Molina demuestra que no hace falta alargar las canciones para que funcionen: a veces, lo bueno —y lo memorable— también puede ser breve.

MAE POWELL - Making room for the light

Making room for the light (Karma Chief Records, 2025) es el ultimo trabajo de la artista de Bay Area, Mae Powell.

El disco suena a abrir las ventanas sin hacer ruido y avanza con una calma luminosa, donde el folk y el country se entrelazan con una sensibilidad muy actual, sin nostalgia impostada ni dramatismos innecesarios.

En medio de esa atmósfera tranquila aparece la escena perfecta: un playmobil colocando un vinilo en una vieja gramola, con ese gesto serio y concentrado de quien sabe que la música merece un pequeño ritual. La aguja cae, la luz es tenue y las canciones de Mae Powell empiezan a girar despacio, llenando el espacio sin imponerse, como si siempre hubieran estado ahí.

Las canciones se sostienen en una voz cercana y cálida, con arreglos suaves y letras que hablan de dejar sitio, de parar un momento y permitir que algo bueno entre. Es un álbum que acompaña más que reclama atención. Making Room for the Light recuerda que, a veces, basta con poner el disco adecuado, dar un paso atrás y dejar que la luz haga el resto.

El Relevo Alemán - Sigrar

Sigrar (Repetidor, 2025) es el último trabajo de El Relevo Alemán. Es un disco que no corre, pero avanza. Canciones que se toman su tiempo, que no levantan la voz y aun así se quedan resonando. Todo suena contenido, medido, como si cada nota supiera exactamente dónde colocarse y cuándo retirarse.

Hay una melancolía serena que lo atraviesa todo, sin dramatismos ni gestos grandilocuentes. Las guitarras acompañan más que empujan, las melodías se deslizan con naturalidad y las letras vuelven a ese territorio tan suyo: lo cotidiano, lo íntimo, lo que se dice casi para uno mismo.

Sigrar no busca el impacto inmediato, busca el poso. Es un disco que crece escucha a escucha, que se entiende mejor cuando bajas el ritmo y miras un poco más lejos. El Relevo Alemán sigue fiel a su forma de hacer las cosas: sin ruido, sin prisa y con una elegancia silenciosa que, a estas alturas, ya es su mejor firma.

Fontana - La elegancia del groove británico

Fontana Records es uno de esos sellos con una historia rica, sinuosa y llena de reinvenciones: varias vidas, muchos cambios de escenario y la extraña habilidad de volver siempre con buen gusto. Un poco como un rockstar veterano… pero afinando mejor cada regreso. 

Fontana nace a finales de los años 50 como una criatura elegante del laboratorio Philips: un sello europeo con vocación internacional que se presenta oficialmente en el Reino Unido en 1958. Durante los 60 y 70 funciona como un comodín de lujo: pop con traje, rock con modales, jazz bien planchado y canciones populares que cruzaban fronteras sin pedir pasaporte. Fue un sello multigénero antes de que eso fuera una estrategia de marketing, publicando y distribuyendo éxitos que hoy suenan a historia viva del vinilo, siempre orbitando alrededor del gran sistema Philips–Mercury.

Con el tiempo, el nombre Fontana se volvió camaleónico. En Estados Unidos pasó por la órbita de Mercury, luego por las mutaciones corporativas de PolyGram y Universal, hasta sobrevivir sobre todo como Fontana Distribution, una pieza clave para que los sellos independientes pudieran jugar en ligas mayores. En pleno siglo XXI, Universal entiende que hay nombres que envejecen bien y en 2025 relanza Fontana en el Reino Unido como imprint centrado en jazz, folk, blues y soul: géneros donde la historia pesa, pero el presente importa. Fontana sigue siendo eso: un puente entre lo clásico y lo contemporáneo, entre el músculo industrial y el groove con alma.

Fontana de los 60s hasta hoy, en 20 canciones:

1. The Mindbenders – “The Game of Love” (1965)

Pop pegadizo y descaro sesentero: la chispa inicial de Fontana.

2. The Troggs – “Wild Thing” (1966)

Tres acordes que definieron una actitud.

3. The Spencer Davis Group – “Keep On Running” (1965)

Juventud, R&B y energía bruta.

4. Dusty Springfield – “I Only Want to Be With You” (1963)

Soul-pop británico que sigue sonando fresco.

5. The Pretty Things – “Don’t Bring Me Down” (1964)

Garage rebelde con riffs afilados.

6. The Merseybeats – “I Think of You” (1963)

Romanticismo beat, una joya de Liverpool.

7. Tubby Hayes – “Mexican Green” (1967)

Jazz sofisticado grabado con maestría.

8. Manfred Mann – “Do Wah Diddy Diddy” (1964)

Pop infeccioso que cruzó el Atlántico gracias a Fontana.

9. The Tremeloes – “Here Comes My Baby” (1967)

Alegría psicodélica con armonías perfectas.

10. The Fall – “Free Range” (1992): 

Post-punk cerebral y mordaz, del Fontana noventero.

11. The Lilac Time – “All for Love and Love for All” (1990)

Pop pastoral con arreglos brillantes.

12. Swing Out Sister – “Breakout” (1986)

Soul pop elegante con estética jazzística: puro revival Fontana.

13. Melody Gardot – “Baby I’m a Fool” (2009)

Jazz moderno con sutileza cinematográfica.

14. Jeff Goldblum & The Mildred Snitzer Orchestra – “Let’s Face the Music and Dance” (2018)

Swing contemporáneo con encanto de club.

15. Jacob Collier ft. Daniel Caesar – “Time Alone with You” (2020) Complejidad armónica y groove sideral.

16. Jordan Rakei – “Say Something” (2021)

Soul electrónico con alma clásica.

17. Aurora – “Giving in to the Love” (2022)

Folk nórdico con producción cristalina.

18. dodie – “Hate Myself” (2021)

Delicadeza acústica y emoción sincera.

19. The Teskey Brothers – “So Caught Up” (2019)

Soul vintage, con textura analógica y corazón moderno.

20. Victor Ray – “Falling Into Place” (2024)

Nueva voz del soul británico; cierre con elegancia y futuro.

The Goods - Don't spoil the fun

Don't spoil the fun (Dandy Boy Records, 2025) es el último trabajo de la banda de Oakland, The Goods. Décima entrega del One Record Club (Octubre 2025).

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Mientras suena Don’t Spoil the Fun de The Goods, el Playmobil vuelve a mirar al infinito, el título ya avisa: aquí la música no viene a complicarte la vida, viene a hacerla un poco más llevadera. Pop con nervio, melodías que entran rápido y ese punto despreocupado que parece fácil… hasta que intentas hacerlo tú.

El disco avanza con ligereza bien entendida: guitarras afiladas pero amables, canciones que duran lo justo y un espíritu casi juvenil que no cae en la ingenuidad. El click escucha con media sonrisa fija, consciente de que divertirse también es una forma seria de hacer las cosas.

Don’t Spoil the Fun es para ponerlo sin pensar demasiado, dejar que suene y aceptar que no todo tiene que ser profundo para ser bueno. A veces basta con mirar al infinito, darle al play y no estropear la diversión.